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Marcel Berlanger au Musée de la Boverie : « En Piste 2026 » du 4 au 13 septembre
Depuis plusieurs années, le MACPA participe à l'exposition En Piste!,  au Musée de La Boverie à Liège.
Le projet s’inscrit dans la continuité du support — et œuvre évolutive — initialement conçu∙e par Marcel Berlanger pour l'édition 2020 de la Triennale Art Public à Liège : « Indélébile (Dazibao) ». Alors que cette œuvre intégrait la collection permanente du MACPA en 2022, le portrait de Nafissatou Thiam venait, quant à lui, s'ajouter par superposition au « Dazibao » trois ans plus tard.
Cette même année 2025, Marcel Berlanger investissait le Centre Sportif ADEPS du Blanc Gravier, toujours sur le site du Sart Tilman, avec le soutien de la Cellule architecture de la Fédération Wallonie-Bruxelles. Prenant la forme d'une double intervention, le projet développé par l'artiste au Blanc Gravier consistait alors : d'une part, en une frise en pixels géants déployée sur les façades du centre d’hébergement et, d'autre part, en l'intégration in situ de portraits peints de sportives et sportifs belges médaillé∙es à travers l'ensemble des chambres de ce centre.
Vernissage ouvert au public : le jeudi 03 septembre, 18h00-21h00.
Lieu de l'événement : Parc de la Boverie 3, 4020 Liège.
Horaires d'ouverture (conformément à ceux de La Boverie) : 11h00-18h00. Fermeture hebdomadaire le lundi
Gaëlle Leenhardt – Prix de la Jeune Sculpture 2026
Gaëlle Leenhardt 1987 “S’inspirant du travail archéologique et des processus géologiques qu’elle observe assidûment, elle moule, sculpte, agrège et coule des matières minérales : terres, pierres, plâtre, béton. Elle s’inspire des phénomènes de sédimentation à l’œuvre dans le paysage – naturel ou bâti – et imagine des formes à même de témoigner des effets du temps sur leur structure. Empreintes minérales à l’apparence de fossiles, empilement de pierres à l’équilibre hasardeux, artefact architectural d’après la ruine, formes animales figées en plein mouvement : tout dans ses œuvres semble évoquer le passage du temps et son principe d’entropie, la tendance de tout système organisé au désordre et à la décomposition.” Extrait de “Faire terre de tout terrain” de Thomas Delamarre, sur le travail de Gaëlle Leenhardt.
Je suis sculptrice, et j’ai fait le choix depuis le début de ma pratique d’avoir un rapport principalement non numérique à mon travail d’artiste, c’est à dire qu’aussi bien dans la sculpture que dans la photographie, j’ai une approche physique, tactile, présentielle de l’art. Il m’est important d’être corporellement impliquée dans ce que je fais, d’être physiquement présente et actrice de chacune des étapes de travail. Je suis constamment à la recherche de nouveaux savoir faire, de nouvelles matières, je me constitue un répertoire de techniques qui puissent être choisies en harmonie avec les lieux où je suis amenée à travailler. D’autre part les rencontres humaines nourrissent et font avancer mes recherches, elles me permettent aussi de m’ancrer dans les lieux que j’investis. C’est pour moi une forme d’engagement dans une période où tout passe par le numérique : j’ai l’impression que mes mains sont encore un outil de résistance dans un monde où l’automatisation prend de plus en plus de place, non dans un esprit réactionnaire, mais dans l’espoir de s’inscrire dans un langage sensible et artistique émancipé du rapport actuel à l’immédiateté, à l’obsession de la contemporanéité. Je sens qu’il est important pour moi de sauvegarder une indépendance qui m’est propre face à une injonction écrasante de s’assujettir au numérique. C’est ma sensibilité plastique qui m’a d’abord conduite naturellement à favoriser le grain, la matière, la présence, et donc à des techniques de prédilection plutôt analogiques et anciennes, rudimentaires mêmes. Puis c’est la constance de cet attachement à travers les années qui m’a amenée à formuler le sens d’engagement que pouvait avoir cette façon de travailler. Une des plus belles conséquences qu’a cet engagement ce sont les rencontres humaines amenées par ma démarche, qui  nourrissent mon travail, celui-ci ne pourrait exister sans elles.
>> Prix de la Jeune Sculpture 2026
Louis Demoulin – Prix de la Jeune Sculpture 2026
Louis Demoulin 1987 Riche d'un parcours artistique pluriel, Louis Demoulin développe depuis une dizaine d'années une pratique sculpturale fondée sur l'expérimentation formelle, matérielle et conceptuelle. Après une première approche de la céramique, il explore différentes techniques jusqu'à créer sa propre fonderie, plaçant la matière au cœur de sa recherche. Dans son travail, l'idée précède souvent la forme, mais c'est la rencontre avec le matériau qui en détermine l'aboutissement. Contraintes, résistances et qualités sensibles orientent le processus de création. La technique devient alors le prolongement naturel de la pensée et participe pleinement à l1élaboration de l'œuvre. Sa recherche s'articule autour des espaces de jeu, envisagés comme des territoires fondateurs de l1enfance. Ces lieux constituent les premiers espaces d'expérimentation du corps, qui risque, de la socialisation et de l'appropriation de l'espace. Ils occupent une place importante dans notre mémoire collective et continuent de façonner notre imaginaire bien au-delà de l'enfance. À travers ses sculptures, Louis Demoulin prélève des formes issues de ces univers ludiques pour les détourner de leur fonction première. En modifiant leur échelle, leur poids ou leur matérialité, il les rend impropres à l’usage. Ce qui était conçu pour être manipulé, escaladé ou habité devient inaccessible, immobile ou potentiellement menaçant. L'objet de jeu cesse alors d'être un outil d'action pour devenir un objet de contemplation. Monumentales, bétonnées, moulées ou gonflables, ses œuvres instaurent une tension entre attraction et frustration. Elles convoquent des souvenirs familiers tout en empêchant l'expérience attendue. Le spectateur reconnaît ces formes et leur potentiel ludique, mais se trouve confronté à leur impossibilité d'usage. Le travail de Louis Demoulin explore ainsi la manière dont un objet peut conserver sa charge symbolique tout en étant privé de sa fonction. En neutralisant l'usage, il révèle les dimensions sociales, affectives et culturelles qui subsistent au-delà du jeu lui-même.
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Pauline Debrichy – Prix de la Jeune Sculpture 2026
Pauline Debrichy Charleroi, 1989 Pauline Debrichy travaille entre la Belgique et l’Autriche. Après des études d’architecture, elle fait un bachelor en sculpture à l’Académie Royale des Beaux-Arts d’Anvers et un master à l’Académie des Beaux-Arts de Vienne (Magistra der Kunst) où elle reçoit le prix d’appréciation du jury. Lauréate en 2014 d’une mention honorable au prix national de sculpture Mark Macken, elle a depuis été sélectionnée pour plusieurs prix artistiques belges. Active aussi à l’étranger, elle a participé à des résidences d’artistes internationales et a exposé en Europe et au Canada.
Passionnée par l'architecture et l'urbanisme, Pauline Debrichy conçoit des sculptures et des installations qui allient minimalisme et monumentalité. Elle y questionne la relation entre l'Homme et l'objet, se penche sur le concept d'espace, qu'il soit physique, symbolique ou territorial. Elle en explore les limites, réfléchit à l’impact qu’il a sur notre société, tant dans la perception de notre environnement que dans notre manière de l’organiser et même de le privatiser. Travaillant sur site, c'est la perception d'un lieu ou d’un territoire qui détermine la forme, voire l’essence même de l'oeuvre. Son regard est attiré par chaque détail architectural du quotidien incarnant les habitudes socioculturelles de notre société. Ses observations documentées avec le dessin ou la photographie, elle s'en inspire pour créer des oeuvres tridimensionnelles entre tentative d’apprivoisement et nouvelle lecture spatiale. L'artiste varie les échelles, allant de la petite sculpture de béton à l'image de maquettes évoquant des strates ou des vestiges de constructions imaginaires, jusqu'à la réalisation de grands formats. Inscrits dans une architecture, ils viennent refléter les motifs architecturaux, font écho aux proportions ou à l'histoire du lieu. Comme une invitation à interagir, on se voit scruter les surfaces des oeuvres, on se projette sur ses structures, on grimpe parfois et s’y perd. Les matériaux, généralement bruts, sont empruntés au secteur de la construction et sont choisis de manière pragmatique pour leurs propriétés. Les dimensions, le lieu de monstration ou la technique utilisée imposent une temporalité limitée. La conservation des oeuvres se voit fragilisée par leur état passager. Les travaux réalisés sont démontés, entreposés ou détruits. Parfois, ils renaissent sous d’autres formes…
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Léa Belooussovitch – Prix de la Jeune Sculpture 2026
Léa Belooussovitch, Entropie
Verre issu de destructions, résine, acier, béton, 221 x 41 x 2 cm, 2026
L’oeuvre Entropie est constituée de débris de verre issus de diverses démolitions. Ce verre, d'une teinte bleue relativement rare, a été récolté sur le site de l'usine Minérale SA à Charleroi en Belgique, spécialisée dans le recyclage du verre plat et du verre creux. Utilisé notamment dans l'architecture — pour limiter l'éblouissement, filtrer une partie du rayonnement solaire ou constituer des balustrades de sécurité — mais également dans le domaine du flaconnage, ce verre bleu est habituellement réduit en sable avant d'être réintroduit dans un nouveau cycle de fabrication. Conçu à l'origine pour protéger, il a ici été pulvérisé lors d'une démolition dont l'histoire demeure inconnue. Il se présente comme le vestige d’un effondrement, dispersé selon une logique de désorganisation totale, faisant écho au principe d'entropie en physique, qui mesure le niveau de « désordre » d’un système et sa tendance à évoluer vers un état de désorganisation croissante. Récoltés puis assemblés un par un à la main, évoquant la mosaïque ou un puzzle tronqué, organisés par un geste presque chirurgical de réparation et de restauration, les morceaux constituent tous ensemble une forme finale qui tente d’être cadrée, contenue et non chaotique. Le travail minutieux tente de rétablir une cohérence sans effacer la fracture. Les fragments composent une structure qui cherche à contenir le chaos tout en conservant visibles les traces de sa destruction. Matériau recyclable à l'infini, résilient par essence, le verre possède une remarquable capacité de transformation. Même réduit en éclats, il peut retrouver une nouvelle organisation sans renier les cicatrices de son histoire. Avec Entropie, cette renaissance prend la forme d'un recyclage artistique où la réparation ne consiste pas à restaurer un état antérieur, mais à faire émerger une nouvelle présence. Cette reconstruction ne vise pas seulement à recomposer une matière : elle lui donne une forme emblématique, celle du monolithe. Il apparaît comme la figure d'un ordre absolu, d'une stabilité presque mythique. Pourtant, cette présence n'échappe pas aux dynamiques de l'entropie : sous son apparente permanence se joue la transformation inévitable de toute matière. Il devient ainsi le témoin de la tension entre la permanence que nous projetons sur les formes et leur devenir irréversible. Semblable à une cascade de larmes géométriques figées, l'oeuvre tient debout malgré l'extrême fragilité de sa composition. Entre équilibre et effondrement, elle donne à voir la possibilité d'un ordre reconstruit à partir de fragments marqués par la violence. -> site internet de Léa Belooussovitch
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Brèves : stage d’été au Macpa, « Des notes et des couleurs », du lundi 17 au 21 août 2026
Comme chaque été, le Musée d'art contemporain en plein air du Sart Tilman accueille des stages pour enfants, organisés avec l'ASBL Art&fact (historiennes et historiens de l'art de l'ULiège). Cette année, Art&fact s’associe aux Jeunesses Musicales pour une semaine de stage mêlant nature, art et musique ! Le magnifique espace vert du Musée en plein air, animé de sculptures, sera notre terrain d'aventure : un lieu idéal pour éveiller les 5 sens et libérer la créativité des enfants. Chants, jeux de rythme et créations plastiques seront au programme dans ce cadre verdoyant. Comme bien d’autres artistes, nous ferons entrer peinture et musique en résonance. -> infos : Art&fact, Des notes et des couleurs, du lundi 17 au 21 août 2026
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Brèves : « La disparition des limicoles », sur le Dazibao de Marcel Berlanger
Ce mois de juillet 2026, Marcel Berlanger affiche la reproduction d'un tableau de la série La disparition des limicoles sur le Dazibao qu'il avait installé en 2022 à proximité du pavillon d'accueil du Musée en plein air. Sur l'autre face du panneau, le temps fait lentement disparaître l'affiche avec la reproduction du portrait de Nafissatou Thiam.
Brèves : le panneau et les brochures du pavillon d’accueil sont de retour !
La création de la liaison cyclable aux abords du rond-point Simone David-Constant avait provoqué la malencontreuse disparition du panneau avec les informations, brochures et plans du MACPA en libre-service ! C'est réparé : vous trouverez à nouveau tous ces documents, pour préparer et profiter de votre découverte du Sart Tilman et de la collection du Musée d'art contemporain en plein air. Si vous souhaitez des renseignements plus précis, nous recommencerons également à assurer une présence plus régulière au Pavillon, en proposant une permanence tous les mercredis, de 14h00 à 17h00. Infos : 0 43 66 21 09
-> toutes les brèves
Sortie de presse : Julie Bawin (dir.), « Starchitecture? », juin 2026
De New York à Bilbao, de Paris à Rome, les musées d’art contemporain rivalisent d’audace architecturale. Oeuvres d’art à part entière ou emblèmes d’un capitalisme culturel mondialisé, ces édifices signés par les « starchitectes » – Frank Gehry, Zara Hadid, Jean Nouvel, Herzog & de Meuron, Renzo Piano… – redéfinissent la place du musée dans la ville, dans l’économie et dans l’imaginaire collectif.
Cet ouvrage, dirigé par Julie Bawin, interroge cette transformation du musée en icône urbaine et en image marque, entre quête du spectaculaire et désir renouvelé de sobriété. En s’appuyant sur des études de cas (Centre Pompidou, Guggenheim Bilbao, MAXXI, Tate Modern, etc.) et sur les contributions d’historiens, de sémioticiens, de directeurs de musées et d’architectes, il propose une réflexion inédite sur la « starchitecture » des musées d’art contemporain comme phénomène culturel, économique et symbolique.
Au croisement de l’histoire de l’art, de l’architecture et de la muséologie, Starchitecture ? explore la tension entre le contenant et le contenu, entre la quête du chef-d’oeuvre architectural et la mission culturelle du musée.
Starchitecture ? Une lecture architecturale des musées d’art contemporain, sous la direction de Julie Bawin, Collection Imaginaire(s), 160 pages – 13,5 x 20 cm, juin 2026 -> informations sur le site internet de MkF Editions
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Arts et sciences : la conférence « Society and Materials » (SAM20) visite le MACPA
La 20e Conférence internationale « Society and Materials » (SAM20) s'est tenue les 26 et 27 mai 2026 sur le campus du Sart Tilman de l'Université de Liège.
Cette conférence sert de forum mondial pour discuter de nouvelles méthodologies, de nouveaux concepts et enjeux reliant les matériaux et la société sous différents angles, favorisant ainsi la recherche interdisciplinaire et l'innovation. Depuis plus de 19 ans, les conférences SAM constituent un forum international d'échange sur ces thématiques.
A l'initiative du Dr Ir Sylvie Groslambert, le MACPA est heureux d'avoir pu présenter ses collections à ce groupe de chercheurs internationaux réunis sur le campus de l'ULiège.