Musée en plein air - Sart Tilman

Adrien Tirtiaux – Prix Ianchelevici 2026

Le **Prix Triennal Ianchelevici 2026 a été attribué à Adrien Tirtiaux pour son intégation Lignes de fuite à la prison de Haren.**

Adrien Tirtiaux (Etterbeek, 1980) Vit et travaille à Anvers www.adrientirtiaux.eu Adrien Tirtiaux est ingénieur-architecte de formation et plasticien diplômé en 2008 de l’Akademie der Bildenden Künste de Vienne. Sa pratique artistique est contextuelle, répondant par des installations, des sculptures, des performances et des dessins aux situations dans lesquelles il est invité à intervenir. L’intégration à l’architecture et à l’espace public constitue un prolongement « naturel » de sa pratique. Il est, ces dernières années, intervenu à Maaseik (Echoes of a Landscape, 2025), à Lokeren (Aggregation, 2024), à Bruges (Under the Carpet, 2024) et à Louvain-la-Neuve (Helix # Objectif Terre, 2022).

Lignes de fuite 10 peintures murales à l’acrylique 2 x 485x965 cm ; 6 x 370x700 cm ; 2 x 218x122 cm 2022 intégration d’Adrien Tirtiaux à la prison de Haren (rue du Witloof, 135, B-1130 Haren) Exécution : Art Mural asbl Lignes de fuite fait partie du Quasi Museum, une collection d’intégrations plastiques au sein de la prison de Haren, sous commissariat de Ief Spincemaille et Anouk Focquier. L’objectif est d’explorer les potentialités des pratiques artistiques contemporaines dans le milieu carcéral. Il ne s’agit pas seulement de recherches esthétiques, mais aussi — et peut-être surtout — de questionnements conceptuels et éthiques. « Avec le Quasi Museum, nous essayons d’inscrire les structures et la logique d’un musée dans l’architecture et les systèmes invisibles d’une prison : ses rythmes, ses relations et ses logiques d’inclusion et d’exclusion, expliquent les commissaires. Nous avons invité des artistes à développer des œuvres permanentes qui ne sont pas simplement installées dans la prison, mais plutôt entremêlées à celle-ci. Nous organisons des visites guidées, destinées aussi bien aux personnes à l’intérieur qu’à l’extérieur de la prison, à travers la collection d’œuvres des 12 artistes. Comme certaines pièces se trouvent à l’intérieur du périmètre et d’autres à l’extérieur, tout le monde ne voit pas le même musée. Que signifie créer pour un public aussi restreint ? Quel type de réception, de résistance ou de résonance l’art peut-il générer derrière les murs ? Mais aussi, que signifie pour un public extérieur de ne pouvoir voir qu’une partie de la collection ? Le Quasi Museum interroge également la manière dont un tel lieu positionne ses voisins. Que signifie, socialement et psychologiquement, coexister avec une nouvelle prison dans son jardin ? Comment l’art peut-il arbitrer, compliquer ou rendre lisible cette proximité inconfortable ? » Adrien Tirtiaux a saisi deux des aspects pourtant difficilement conciliables de ce programme. Son intervention se trouve en effet intriquée au contexte carcéral mais elle crée aussi un dialogue avec son environnement extérieur. Ainsi Lignes de fuite s’adresse-t-elle tant aux usagers de la prison qu’à ceux de l’espace public environnant. L’œuvre est composée d’une série de 10 peintures murales, directement exécutées sur l’enceinte en béton qui ceinture la prison de Haren. Leur localisation deux par deux constitue le premier élément de compréhension de l’ensemble. Cinq d’entre elles sont peintes sur la face intérieure du mur, dans le prolongement des rues de ce que les urbanistes du centre pénitentiaire appellent le parc central. Les cinq autres « regardent » vers la cité depuis l’exact verso de la paroi. Cette conception en binôme dicte par ailleurs l’iconographie de l’ensemble : ce sont des paysages qui fonctionnent comme autant de fenêtres donnant à voir « l’autre côté » depuis la prison et depuis la ville. Les peintures de Lignes de fuite sont assimilables à la pratique académique du trompe-l’œil architectural. Elles rendent une version de la réalité derrière le mur suivant une vision idéalisée tant sur le fond que dans la forme. Aucune clôture ne barre la vue. Les arbres sont toujours verts. Règne un calme qu’aucune présence humaine ne vient perturber. La perception des espaces est encore magnifiée par les choix plastiques de l’exécution. Adrien Tirtiaux a travaillé dans le style de la Ligne Claire bien connu des amateurs de bandes dessinées, en particulier ceux du Journal de Tintin puisque Hergé en est le principal représentant. Le trait est rigoureux, constant, simple. Les couleurs sont appliquées en aplat, sans demi-teinte ni effets d’ombre et de lumière. À s’attarder sur l’observation de l’ensemble, on relèvera qu’Adrien Tirtiaux a donné à ses images des sensibilités appropriées à la position du regardeur. Depuis la ville, elles montrent des vues du village pénitentiaire ; ce sont des espaces déserts et froids mais surtout circonscrits. Pour ceux qui les observent de l’intérieur, les fenêtres ouvrent des vues diversifiées, en particulier sur le parc de Haren, et invitent le regard à se disperser. Elles cadrent des éléments banals : un tunnel, une plaine de jeux, un petit lotissement, une colline verte ou encore le centre de Diegem. C’est la vie quotidienne et l’imaginaire peut s’y évader. Cette dernière propriété confère à Lignes des fuites une puissance narrative. Adrien Tirtiaux explique que, contrairement aux peintures de cases de bande dessinée exécutées avec plus ou moins de bonheur dans le centre de Bruxelles, les protagonistes ne sont pas dans l’image qui n’est qu’un décor ; ils la regardent. Pierre Henrion

Bibliographie sélective

Henrion, Pierre, Adrien Tirtiaux. Plus près de toi, in Art Public Liège, catalogue de l’exposition, Liège, du 1^er août au 31 octobre 2020, p. 71 à 74.
Tirtiaux, Adrien, Urban Matters, Vienne, 2019.
Tirtiaux, Adrien, Collective Rules, Eupen, 2015.

Higher and Higher bois, vis, arbre mort 10x3,2x2,5 m (env.) 2022 oeuvre temporaire d’Adrien Tirtiaux dans le Lantz'scher Park à Lohauser Dorfstraße (Stadtbezirk 5,D-40474 Düsseldorf) Adrien Tirtiaux a imaginé pour le Lantz'scher Park à Düsseldorf une structure en bois qui se développe en spirale autour d’un arbre mort. Comme des centaines d’autres dans le parc, cet arbre était mort suite aux dégâts provoqués par des rongeurs. Les responsables du parc ont fait replanter plus de 4 500 arbres ces dernières années ; on a taillé et élagué les arbres morts pour les sécuriser et en faire des refuges pour la faune d’insectes et d’oiseaux. L’intervention d’Adrien Tirtiaux est de nature architecturale ; la structure en bois a l’allure d’une tour qui permet aux promeneurs de « grimper » entre les branches de l’arbre mort, et d’éprouver l’effet synesthésique de la croissance du végétal : la structure en bois, massive à sa base, s’allège en gagnant de la hauteur et mène à une échelle qui semble reliée au ciel. Outre les folies et fabriques des parcs et jardins des XVIII^e et XIX^e siècles, l’oeuvre d’Adrien Tirtiaux est aussi une allusion à la Tour Tatline : le monument à la Troisième-Internationale conçu par l’artiste et architecte russe Vladimir Tatline au début des années 1920. La réminiscence est plus que formelle : la tour projetée par Tatline avait pour ambition d’être à la fois une métaphore et un acteur de la dynamique engendrée par le communisme, dans une perspective d’intégration totale de l’action révolutionnaire dans l’ordre de la nature et du cosmos ; l’échelle de Tirtiaux semble plus modeste… mais sa visée place l’utopie à une distance vraisemblablement plus tangible : en arpentant le parc de Lantz, le promeneur se voit offrir la possibilité d’éprouver physiquement les liens profonds du vivant, du végétal à l’animal, de l’arbre, des insectes, des oiseaux et des humains appelés à vivre ensemble. Jean Housen

Bibliographie sélective

Tirtiaux, Adrien, Things design themselves, Anvers, 2013.
Tirtiaux, Adrien et Vervoort, Stefaan, Space is Time, Esslingen am Neckar, 2014.
Tirtiaux, Adrien et Vissault, Maïté, Collective Rules, Eupen, 2015.
Tirtiaux, Adrien et Weyns, Sara, Urban Matters, Anvers, 2018.

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Eva Moulaert & Pieter et Robin Vermeersch – Prix Ianchelevici 2026

Eva Moulaert (Belgique ,1983) Vit et travaille à entre Bruxelles et Gand www.dearreader.be Eva Moulaert est diplômée de la LUCA School of Arts, Sint-Lucas Gand depuis 2006. Elle a ensuite mené une activité de recherche au département design de la Jan van Eyck Academie aux Pays-Bas entre 2007 et 2008. Depuis 2010, elle enseigne le design graphique à la LUCA School of Arts, Sint-Lucas Gand. Elle dirige le studio de design Dear Reader, basé à Bruxelles. En 2024, elle a obtenu un doctorat en arts à la LUCA School of Arts. Sa thèse, intitulée Dear Reader, Addressing Authorship Through Graphic Design, prend la forme d’une série de lettres à travers lesquelles elle revient sur sa pratique du design graphique. Robin Vermeersch (Courtrai, 1977) Vit et travaille à Waregem https://robinvermeersch.be/ Robin Vermeersch est titulaire d’un master en peinture de la LUCA School of Arts à Gand et y enseigne actuellement la peinture ainsi que la sculpture et la céramique. Dans sa recherche artistique, il explore une grande diversité de médiums. Ses sculptures, peintures et dessins déploient un univers où des formes semblables à des cellules révèlent une dimension existentielle et cosmique. A travers ses œuvres, il invite le spectateur à percevoir des microcosmes qui reflètent à la fois l’infiniment petit et l’infiniment grand Pieter Vermeersch (Courtrai, 1973) Vit et travaille entre Turin et Bruxelles https://pietervermeersch.be/ Pieter Vermeersch développe une pratique picturale qui se déploie sur des supports variés, allant de la toile et du marbre à la photographie, jusqu’à l’intervention directe sur des structures architecturales existantes. Ses réalisations se distinguent par une attention particulière portée à la lumière, à la couleur, au lieu et à son environnement. Il conçoit régulièrement des œuvres de grande ampleur pensées spécifiquement pour des contextes architecturaux précis. Parmi ses interventions les plus marquantes figurent des peintures murales monumentales réalisées pour la station Schuman à Bruxelles et pour les Galeries Lafayette à Biarritz, ainsi que des projets in situ pour la Solo House (Office KGDVS) à Matarraña, en Espagne, et pour les Silos à sel du site de la Voirie à Genève.

Sans titre céramique 2024 intégration de Robin Vermeersch et de Dear Reader (Eva Moulaert), au Théâtre Le Vilar (place Rabelais, 51, B-Louvain-la-Neuve) en collaboration avec le bureau Ouest Architecture Sans Titre peinture 2024 intervention de Pieter Vermeersch au Théâtre Le Vilar (place Rabelais, 51, B-Louvain-la-Neuve) en collaboration avec le bureau Ouest Architecture Après plus de 40 ans d’activité, le théâtre Le Vilar situé à Louvain-la-Neuve a bénéficié d’une rénovation complète estimée à neuf millions d’euros. À l’issue d’un concours organisé par l’Atelier Théâtre Jean Vilar asbl, en partenariat avec la Fédération Wallonie-Bruxelles, l’UCLouvain, la Province du Brabant wallon et la Ville d’Ottignies-Louvain-la-Neuve, la transformation du bâtiment a été confiée au bureau bruxellois Ouest Architecture. La proposition d’Ouest Architecture a permis de résoudre des contraintes techniques précises tout en tirant parti de la spécificité structurelle du bâtiment et en proposant une lecture sensible du contexte historique. Les équipements techniques et les conditions d’accès ont significativement été améliorés. La livraison des décors s’effectuait par exemple auparavant par un monte-charge situé sous le théâtre, ce qui rendait la circulation et l’organisation des espaces particulièrement complexes. La hauteur de scène a aussi été augmentée sans modifier significativement le volume existant. Cette stratégie a également permis de réorganiser l’ensemble des flux logistiques en sous-sol et d’ouvrir davantage le théâtre vers la Place Rabelais, par la création de nouvelles entrées et d’un foyer accessible indépendamment du reste du bâtiment. Enfin, pour préserver une continuité matérielle avec l’existant, la brique claire initiale s’est vue complétée par une nouvelle brique rouge tandis que les espaces hors de salle de spectacle ont été déclinés dans les tons de rouges, roses et blancs, assurant une cohérence visuelle avec le bâti existant. Le cahier des charges du concours prévoyait également l’association d’un ou de plusieurs artistes dès l’origine du projet, tant pour la signalétique que pour la présence d’une œuvre plastique, afin de garantir une intégration spatiale et architecturale harmonieuse. Dans ce cadre, Ouest Architecture a fait appel à Eva Moulaert (studio Dear Reader), avec qui il avait déjà collaboré pour la signalétique du Théâtre du Rideau à Bruxelles, ainsi qu’aux frères Vermeersch. Robin Vermeersch et Eva Moulaert ont d’une part développé un dispositif de signalétique en céramique qui se déploie à plusieurs endroits du théâtre. Celui-ci repose sur un ensemble de carreaux en relief, modulables et assemblables pour composer des lettres, des mots, des flèches ou des motifs graphiques. Le texte y est envisagé comme une matière plastique à part entière, une écriture qui se lit autant qu’elle se voit. Après une longue phase d’expérimentations, notamment lors d’une résidence au European Ceramic Work Centre (EKWC), le dispositif s’est stabilisé autour de carreaux blancs en relief, au format standard de 14×14 cm. Le recours à une palette monochrome et à des lettres capitales garantit la lisibilité du dispositif, tandis que l’alternance avec des carreaux plats participe à la maîtrise des coûts de production. Enfin, les artistes ont introduit des motifs abstraits, non fonctionnels inspirés et générés à partir de photographies sous-marines. Ces compositions suggèrent l’univers souterrain de Louvain-la-Neuve et évoquent la sensation d’un regard immergé dans un univers aquatique. Réparties sur six murs et couvrant une surface totale de 118 m², ces interventions prolongent la signalétique en la transformant en une expérience spatiale plus large. Pieter Vermeersch est d’autre part intervenu sur la façade extérieure sud du bâtiment. Sa proposition picturale minimale est fondée sur un dégradé chromatique allant progressivement de 0 % à 100 % et qui reprend la couleur moyenne des briques du registre supérieur de la façade. Ce procédé assure une continuité visuelle avec le bâti existant. À l’inverse, le blanc, en se détachant progressivement, accentue l’angle du bâtiment et introduit une tension formelle qui attire le regard. L’usage de cette technique permet à l’œuvre d’agir comme une interface sensible entre l’architecture du théâtre et son environnement urbain. La surface semble perdre sa densité pour devenir un plan ouvert, presque immatériel. Cette altération perceptive produit une illusion spatiale qui évoque un seuil, un vide potentiel, faisant écho à l’idée même de la scène théâtrale : un espace en attente d’activation et d’interprétation. Marjorie Ranieri

Bibliographie sélective

Pieter Vermeersh, Paris, 2015.
Küng, Moritz, Geers, Kersten, Piron, François et Dieter Roelstraet, Pieter Vermeersch : Variations, Bruxelles, Ludion, 2019.
Smets Francis, Steverlynck Sam, Famille Vermeersch : Jos Vermeersch, ses trois enfants Pol, Rik et Vera Vermeersch et ses quatre petits-enfants Lowie, Pieter, Robin et Tinus Vermeersch, Anvers, 2010.
Strauven, Iwan, Urban Legend, Bruxelles, 2025.

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Clara Spilliaert – Prix Ianchelevici 2026

Clara Spilliaert (Tokyo 1993) Vit et travaille à Gand ( Belgique) https://claraspilliaert.com/ Clara Spilliaert a grandi à Tokyo. En 2009, elle s’installe en Belgique, où elle poursuit sa formation artistique et obtient en 2015 son diplôme de la LUCA School of Arts à Gand. Après sept années consacrées à la tenue intensive de carnets de dessins, elle explore aujourd’hui divers médias, allant des fresques et sculptures en céramique aux installations in situ. Son travail interroge le rôle des symboles dans la formation des cultures, des mythes et la manière dont la nature et le corps y sont représentés. Elle intègre dans sa pratique artistique ses expériences personnelles, des réflexions historiques et des éléments de la nature. Cette approche sensible et analytique nourrit également ses projets en espace public où elle tisse de nouvelles narrations reliant les vies humaines, animales et végétales.

Listen Well bronze 4 bas-reliefs de dimensions variables (diam. entre 90 et 120 cm) 2025 intégration de Clara Spilliaert au Grand Béguinage de Louvain (Groot Begijnhof, B-3000 Louvain) Listen Well fait partie du parcours artistique permanent And so Change comes in waves, créé pour célébrer les 600 ans de la KU Leuven et curaté par Heidi Ballet, Stéphane Symons et Maud Vanhauwaert. Les œuvres qui composent ce parcours sont disséminées dans de nombreux lieux symboliques de la ville, y compris au cœur de son centre historique, inscrivant la création artistique contemporaine dans le tissu urbain et patrimonial de Louvain. À cette occasion, plus de soixante-dix scientifiques issus de l’ensemble des facultés de l’université ont engagé un dialogue approfondi avec seize artistes et poètes afin de produire des formes sensibles à la croisée des savoirs scientifiques et des pratiques artistiques. L’installation de Clara Spilliaert explore le thème Medicine for all. Elle s’est constituée au gré de discussions avec plusieurs scientifiques, dont le cardiologue Werner Budts, autour des maladies cardiovasculaires chez les femmes. Ces échanges ont mis en lumière la manière dont la médecine occidentale s’est historiquement construite à partir d’observations faites sur un modèle corporel masculin, rendant les diagnostics liés au corps féminin moins précis et certains symptômes insuffisamment reconnus. C’est dans cette perspective d’évolution des savoirs que Spilliaert a choisi de rendre visible le buste féminin au cœur des jardins du Grand Béguinage. Ce site inscrit au patrimoine mondial de l’UNESCO a été fondé au XIIIᵉ siècle et a été habité à son apogée, au XVIIᵉ siècle, par une communauté d’environ 300 femmes religieuses. Il constitue aujourd’hui un lieu de vie et de transmission accueillant des étudiants, des professeurs invités étrangers et des collaborateurs de la plus ancienne université catholique d’Europe. Listen Well se décline en quatre bas-reliefs en bronze posés sur des puits situés dans les jardins et les ruelles du Grand Béguinage de façon à dialoguer avec son architecture historique et l’histoire de ces femmes religieuses. En choisissant le puits comme support, Clara Spilliaert convoque la symbolique de la source pour entrer en résonance avec les enjeux du soin, de la profondeur et de l’ancrage. « J’aimais l’idée que ces puits soient reliés les uns aux autres par le sous-sol, comme un corps traversé de connexions invisibles. J’ai observé que les visiteurs se penchaient spontanément pour regarder à l’intérieur. Je souhaitais créer une œuvre qui ne s’impose pas immédiatement au regard, une présence discrète, intégrée au lieu, et qui requiert l’attention et l’engagement des visiteurs », explique-t-elle. Chaque bas-relief élaboré en trois temps (d’abord en terre puis en silicone et enfin en bronze) correspond à une strate du buste féminin : la peau, les glandes mammaires, les poumons, puis les vaisseaux sanguins. Ces différentes parties sont évoquées ou représentées par une analogie avec le monde végétal et plus précisément avec l’aubépine, une plante associée depuis longtemps aux soins du cœur et qui est présente aux abords du Béguinage. La peau est ainsi comparée à une enveloppe protectrice à l’image de l’écorce. Les glandes mammaires se transforment en fruits renvoyant à la fonction nourricière. Les poumons sont suggérés par des motifs qui rappellent le souffle. Et enfin, les vaisseaux sanguins s’organisent comme un réseau comparable à des racines qui irriguent l’ensemble. Ce lien direct avec le paysage végétal environnant permet à l’œuvre de s’inscrire dans ce lieu historique tout en ouvrant un espace de résonance symbolique entre corps et nature. À travers ces correspondances, l’artiste propose un voyage intérieur dans cet ancien lieu de culte mais surtout une plongée progressive vers le cœur, symbole de vie, de fragilité et de résilience et formellement figuré par un oiseau. Avec Listen Well, Clara Spilliaert établit un dialogue entre les femmes d’hier et d’aujourd’hui, entre un héritage patrimonial religieux médiéval et son appropriation contemporaine, entre la médecine traditionnelle et son évolution moderne. Marjorie Ranieri

Bibliographie sélective

Clara Spilliaert’s tactile work reflects on bodies, nature and myth, Tokyo, 2025.
And so change comes in waves, catalogue du parcours Art & Science, Leuven, 2025.
Spilliaert, Clara, Sekirara, Bruxelles, 2022.

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Michiko Van de Velde – Prix Ianchelevici 2026

Michiko Van de Velde (Brasschaat, 1994) Vit et travaille à Bruxelles https://michikovandevelde.com/ Michiko Van de Velde est une plasticienne belgo-japonaise. Son parcours académique la mène de l’ENSAV-La Cambre à Bruxelles, dont elle sort diplômée en 2017 de la section « Communication visuelle et graphique », à la Central Saint Martins College of Art de Londres où elle opte pour la filière « Fine Art ». Ses recherches pluridisciplinaires (peinture, dessin, gravure, céramique, vidéo…) sont articulées autour de deux thématiques : la lumière naturelle d’une part et une dualité culturelle belgo-japonaise que l’artiste assume totalement. Toutes les cinq minutes solaires (Tournai, 2025) est, à ce jour, la seule intervention de Michiko Van de Velde dans l’espace public.

Toutes les cinq minutes solaires marbre de Carrare et pierre bleue belge 400 m² (env.) 2025 intégration de Michiko Van de Velde à la place de l’Evêché, B-7500 Tournai « Je suis intéressée par la façon dont le temps s’écoule : les couleurs qui changent, la végétation qui pousse. Il y a de la poésie dans toutes ces manifestations. Je me pose la question de connaître comment observer ces évolutions. Ces recherches m’inclinent à une forme d’inconfort qui m’est précieux. J’aime me trouver hors des espaces de certitude. Je les ressens comme un printemps quand les plantes prennent le risque de mourir en sortant de terre. » Michiko Van de Velde Toutes les cinq minutes solaires a été mise en œuvre à la suite d’un concours restreint organisé dans le cadre du projet Feder « Tournai Unesco Expérience » dont l’objectif est de renforcer l’attractivité de la ville et son positionnement de ville d’art, d’histoire et de création. Dans cet esprit, Michiko Van de Velde explique avoir voulu « ré-enchanter » la place de l’Evêché en invitant « la lumière du soleil, source de vie, à s’y inscrire » et ainsi équilibrer la modernisation récente du quartier qui y a vu disparaître la végétation. « J’ai, explique l’artiste, en outre choisi ce site parce qu’il permettait de mettre en valeur la cathédrale Notre-Dame qui doit rester le principal point d’intérêt. D’emblée, j’ai souhaité que mon intervention soit sobre, retenue. » Le concept est simple : révéler la double trajectoire des ombres projetées par les deux tourelles occidentales de l’église, le jour du solstice d’été. Relevés à la main, les tracés sont ainsi figés par deux suites de pastilles en marbre de Carrare incrustées dans le sol comme des pointillés sur le parcours des ombres suivant une capture effectuée toutes les cinq minutes. Discrète, l’intervention révèle la rotation imperceptible du globe terrestre rendue observable à l’œil nu, pendant quatre heures continues, de 9h50 à environ 14h15. Michiko Van de Velde considère qu’il s’agit pour l’observateur d’une expérience, une façon d’éprouver physiquement la vitesse à laquelle notre planète tourne. L’œuvre s’apparente à un double cadran solaire. Et, à ce titre, elle invite à revenir au temps juste de la gnomonique, décalé par rapport aux heures renseignées par l’horlogerie qui mesure un temps moyen, régulier et universel. Pour faire simple, il faudra reculer votre montre de 1h48 pour, le jour du solstice d’été, correspondre au moment quand le Soleil culmine dans le ciel. Il faut relever l’attention portée aux détails de l’installation. Ainsi la forme et diamètre des pastilles de marbre (15 cm) ont été déterminés à l’observation des bulbes qui coiffent les tourelles et de la signalisation en pointillés de laiton intégrée dans le pavement au centre de Tournai pour guider vers la cathédrale. Même souci de rigueur dans le choix des deux matériaux utilisés. D’une part, le marbre de Carrare, dont la blancheur contraste avec le dallage sombre de la place, permet de rapprocher l’installation d’un ciel constellé d’étoiles et convient à mettre en lumière la trajectoire d’un astre qui brille et éclaire. D’autre part, une pierre bleue extraite de carrière belge pour les heures (9, 10, 11 et 12) inscrites en Garamond par incrustation dans huit pastilles pour faciliter la lecture du cadran solaire et rendre hommage à la richesse des ressources géologiques du pays. Relevons que Toutes les cinq minutes solaires n’est pas une œuvre de circonstance. Les mouvements imperceptibles mais surtout l’ombre et la lumière constituent des thématiques centrales dans les recherches de Michiko Van de Velde dont le nom laisse entendre son identité belgo-nippone. L’artiste explique ainsi que ces intérêts sont inhérents à son biculturalisme ; dans son ‘autre’ pays d’origine, il y a plus de 158 mots pour définir tous les types de lumière, celle du soleil, celle de la lune, d’un éclairage artificiel … Pierre Henrion

Bibliographie sélective

Van de Velde, Michiko, Lumières, Bruxelles, 2017.
Henrion, Pierre, Michiko Van de Velde, Liège, 2025.

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Michael Beutler – Prix Ianchelevici 2026

Michael Beutler (Oldenburg, 1976) Vit et travaille à Berlin http://michaelbeutler.com/ Michael Beutler a étudié à la Städelschule de Francfort-sur-le-Main entre 1997 et 2003, ainsi qu’à la Glasgow School of Art de 2000 à 2001. Son œuvre est internationalement reconnue pour ses installations architecturales de grande envergure qui interrogent les modes de production, les usages collectifs et la dimension expérimentale de l’espace. Il développe une pratique centrée sur la sculpture et l’installation, à la croisée de l’architecture, du design et des processus artisanaux. Les éléments constitutifs de ses structures sont souvent des ressources locales et durables tels que le carton, le papier, le bois, la terre ou le bambou. Son œuvre est internationalement reconnue pour des installations monumentales à la fois précaires et immersives à partir de matériaux simples, souvent fragiles comme le carton, le papier, le bois, la terre ou le bambou qu’il transforme à l’aide de dispositifs et de machines rudimentaires qu’il conçoit lui-même. Parallèlement à sa pratique artistique, Michael Beutler a enseigné à l’école d’art Muthesius de Kiel de 2016 à 2017. Depuis 2019, il est professeur de sculpture à la Hochschule für bildende Künste (HFBK) de Hambourg. Artiste de renommée internationale, il signe la première édition de Bozar Monumental.

Habitat briques 2025 intégration de Michael Beutler au Parc national de la vallée de l’Escaut (sur la digue du Rupel, à la frontière de Boom et Rumst) La ville de Boom a été durant le XIX^esiècle et la première moitié du XX^e siècle un territoire spécialisé dans l’extraction de l’argile et la fabrication de briques. À son apogée, la région de Rupel comptait 150 briqueteries et plus de 5 000 travailleurs, dont des enfants, qui ont façonné des paysages et des reliefs encore visibles aujourd’hui. Cette activité industrielle, qui a pendant longtemps été synonyme de prospérité économique, a décliné vers 1970 engendrant de la précarité et une dégradation durable des sols. Aujourd’hui, il ne reste qu’une seule briqueterie. La transformation actuelle de ces friches industrielles en réserve naturelle marque un tournant majeur dans l’histoire du site. Dans le cadre du projet européen ALILASUS, la municipalité de Boom et la VLM (Vlaamse Landmaatschappij ou Agence Flamande pour le territoire), le Parc national de la vallée de l’Escaut avec le soutien de Creative Europe ont décidé de commanditer une œuvre d’art centrée sur les enjeux de mémoire, de durabilité et de reconversion du territoire. Le consortium a fait appel au dispositif de médiation des nouveaux commanditaires pour introduire et encadrer la commande d’une œuvre durable et symbolique auprès de l’artiste allemand Michael Beutler, spécialisé dans les créations monumentales participatives. Depuis février 2025, Habitat occupe la digue du Rupel, à la frontière de Boom et de Terhagen. Sa forme évoque celle des anciennes cheminées de briqueterie qui structuraient autrefois le paysage. La structure est un espace d’accueil. Elle abrite un banc invitant les visiteurs du parc naturel à la pause et à l’observation du paysage en mutation. Elle se pense également comme un refuge ou un espace de nidification pour la faune locale (oiseaux, chauves-souris et insectes) grâce à l’intégration de briques percées et creusées directement intégrées à la maçonnerie. Les briques ont été façonnées à la main avec la participation des étudiants de l’artiste et réalisées à l’aide de procédés traditionnels de cuisson de l’argile dans un four au charbon comparable à ceux d’autrefois. À ces éléments s’ajoutent des briques récupérées et issues de l’histoire locale de la briqueterie, parfois façonnées avant la standardisation industrielle, et apportées par les habitants lors d’une cérémonie participative au cours de laquelle ils ont été invités à la pose des premières pierres. L’œuvre s’est donc constituée dès son origine comme un projet collectif qui vise à honorer la mémoire industrielle du lieu et à célébrer une conscience écologique nouvelle à travers une logique de réemploi et de l’économie de moyens caractéristique de la pratique de Michael Beutler. Plus qu’un simple monument, Habitat fonctionne comme un signal identifiable dans le paysage mais aussi comme un dispositif vivant et habité. C’est un espace de rencontre entre humains et non-humains et enfin, un témoignage tangible de la résilience du territoire. Marjorie Ranieri

Bibliographie sélective

Stardust. Michael Beutler, Ludwigshafen, 2024.
Michael Beutler. Moby Dick, Leipzig, 2015.
Michael Beutler. Pecafil, Berlin, 2006.

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Gijs Van Vaerenbergh – Prix Ianchelevici 2026

Le studio Gijs Van Vaerenbergh est basé à Louvain. www.gijsvanvaerenbergh.com Après leur formation en architecture, Pieterjan Gijs (Louvain, 1983) et Arnout Van Vaerenbergh (Louvain, 1983) ont développé une pratique collaborative et fondé le studio d’art et d’architecture Gijs Van Vaerenbergh. Depuis 2007, le duo mène un travail architectural en dialogue étroit avec les arts visuels et les pratiques sculpturales. Son œuvre se déploie à différentes échelles, de l’installation urbaine et du monument à la scénographie et à l’objet. Refusant toute catégorisation disciplinaire, Gijs Van Vaerenbergh associe rigueur architecturale et expérimentation formelle. Leurs réalisations accordent une place centrale à l’expérience du spectateur et à la relation entre l’œuvre et son environnement, affirmant une pratique où architecture, sculpture et espace se rencontrent.

Halo aluminium doré 10 m (diam.) 2020 intégration de Gijs Van Vaerenbergh à l’église Sint-Odulphus, Graethempoort 5a, B-3840 Borgloon En 2020, Gijs Van Vaerenbergh a été sollicité par l’église Sint-Odulphus à Borgloon durant sa rénovation pour concevoir une œuvre contemporaine qui entre en dialogue avec l’édifice patrimonial et sa fonction religieuse. En concertation avec les autorités flamandes en charge de la direction des monuments historiques ainsi qu’avec le consistoire de l’église, le duo d’architectes/artistes conçoit Halo. L’œuvre monumentale de quinze mètres de diamètre prend la forme d’un anneau en aluminium peint en doré qui entre en résonance avec les nuances des fresques religieuses restaurées. La suspension de l’œuvre au-dessus de la croisée vise à préserver l’usage liturgique de l’espace. Elle se présente comme un geste sculptural autonome et délibérément minimal, dépourvu d’éléments fonctionnels, afin ne pas saturer l’espace déjà habité par une iconographie riche. L’intervention respecte également la symbolique et la spatialité du lieu, en veillant à ne pas obstruer les flux de circulation. Sa position centrale lui permet de plus de traverser et de relier visuellement les différents volumes de l’église (la nef, les bas-côtés, le transept et l’abside) mais sans jamais se donner à voir dans son intégralité. Glissant sous les arcs et autour des colonnes, l’auréole se recompose uniquement dans la perception du visiteur, générant une expérience spatiale fragmentée et dynamique. La forme circulaire, choisie pour sa symbolique propre à la tradition catholique, renvoie aussi à des significations plus universelles telles que l’union et la continuité. Le cercle agit également comme un dispositif spatial. Dans un édifice aux volumes vastes et aujourd’hui peu fréquenté, Halo délimite un espace dans l’espace, créant une unité plus intime autour de l’autel et du célébrant. L’œuvre a été réalisée en quatre segments assemblés sur place, soudés puis repeints afin d’effacer les traces des jointures et pour donner l’illusion d’une forme lisse et continue. Le montage de l’œuvre sur place a été rendu d’autant plus complexe que la rénovation de l’église prenait fin. Achevée au moment de la réouverture de l’édifice, Halo révèle les lignes de force de l’édifice et propose une lecture contemporaine d’un espace de communion et de recueillement. Marjorie Ranieri

Bibliographie sélective

Gijs Van Vaerenbergh, Attempt to draw a perfect circle, in Overlap: The No Man’s Land between Art & Science, La Haye, 2020.
Nuijsink, Cathelijne , Gijs Van Vaerenbergh. Cross Section, in Architecture Monogram, #1, 2017.

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Bob Verschueren – Prix Ianchelevici 2026

Bob Verschueren (Etterbeek, 1945) Vit et travaille à Bruxelles Autodidacte, Bob Verschueren a construit en une quarantaine d’années une œuvre singulière et atypique, dont les contours épousent largement ceux des réflexions sur le concept de l’anthropocène ; dès ses premières créations, Verschueren a laissé tomber le cadre traditionnel des expressions plastiques comme la peinture ou la sculpture pour explorer les liens complexes et les antagonismes qui rassemblent l’Homme et la Nature. Actif dès les années 1960, il est l’auteur d’une œuvre qui très vite échappe aux cadres de la tradition artistique, avec les “Wind paintings” (pigments naturels jetés au vent). Il connaît rapidement une notoriété internationale et a réalisé des centaines d’installations à base d’éléments naturels, à travers le monde, notamment en Europe, au Canada et en Asie. Bob Verschueren est membre de la classe des Beaux-Arts de l’Académie royale de Belgique.

Le clan des voltigeurs bois 7,25x2,50 m, 250 nichoirs (250 x 400x110x250 mm) 2023 oeuvre temporaire de Bob Verschueren dans le Domaine du Château de Chaumont-sur-Loire (F-41150 Chaumont-sur-Loire) avec le concours de l’atelier Apides Le Domaine du Château de Chaumont-sur-Loire accueille depuis 1992 le Festival International des Jardins : chaque édition du festival présente une sélection de créations paysagères (plus de 500 jardins ont été créés depuis l’origine de la manifestation), à quoi sont venus s’ajouter des jardins permanents tels que le Vallon des Brumes, le Jardin de Méditation, le Sentier des Fleurs Sauvages et les jardins d'enfants. Depuis 2008, ce lieu de référence est devenu la propriété de la region Centre-Val de Loire : autour du château bâti aux XV^e et XVI^e siècles, le Domaine du Château de Chaumont-sur-Loire a développé un ensemble d’activités centrées sur la création contemporaine. Le château et son parc, qui abrite notamment des cèdres exceptionnels, sont devenus le cadre de nombreux événements (installations d’oeuvres, interventions artistiques, expositions de photographies, colloques, rencontres, etc). Depuis 2008, la « Saison d’art » de Chaumont est devenu un événement annuel majeur qui transforme le Domaine en un musée à ciel ouvert, invitant des artistes internationaux à créer des œuvres inédites en dialogue avec la nature. Chaque édition propose des installations pérennes dans le parc et le château, explorant des thèmes comme les hybridations, la poésie végétale ou le biomimétisme, mêlant art contemporain, photographie et créations numériques pour offrir une expérience immersive et poétique. En 2023, Chantal Colleu-Dumont, directrice du Domaine du Château de Chaumont-sur-Loire, propose à Bob Verschueren de concevoir une installation qui pourrait servir de nichoir à des martinets, une espèce gravement menacée par les activités humaines et protégée dans de nombreux pays. Bob Verschueren relève le défi de cette commande aux contours balisés : « J’ai immédiatement accepté ce défi, sachant que ce seront les oiseaux qui décideront où loger ! Après avoir pris toutes les informations utiles, j’ai réalisé un premier croquis et fait appel à la société Apides pour travailler à sa réalisation. Située à Court-Saint-Étienne, cette institution s’occupe de former des stagiaires pour les préparer à trouver un emploi, tout en les rémunérant. ». Jean Housen

Bibliographie sélective

Verschueren, Bob, L’éloge de l’impertinence, in Bulletin de l'Académie Royale de Belgique, volume 16-1-6, 2055, p. 7 à 14.
Verschueren, Bob, Dialogue entre nature et architecture, Bruxelles, 2008.
Verschueren, Bob, Conversation avec Robert Dumas, Gerpinnes, 2008.
Verschueren, Bob, Natura Humana, Bruxelles, 2010.
Verschueren, Bob, Du champ à la composition : l’écriture, dans Bulletin de l'Académie Royale de Belgique, volume 22, 2011, p. 307 à 314.
Verschueren, Bob Les coulisses du travail – VI, in Bulletin de l'Académie Royale de Belgique, volume 24, 2013, p. 105 à 116.

Photos et (c) : Bob Verschueren

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Arne Quinze – Prix Ianchelevici 2026

Arne Quinze (Gent, 1971) Vit et travaille à Sint-Martens-Laetem Actif depuis la fin des années 1980, Arne Quinze est autodidacte et se manifeste à l’origine par la réalisation de graffiti et d’oeuvres d’art urbain. Il acquiert la notoriété au début des années 2000 en mettant en oeuvre un univers plastique sous-tendu par des préoccupations écologiques et urbanistiques. Depuis une vingtaine d’années, les créations d’Arne Quinze s’articulent autour des concepts d’art public (la ville comme lieu d’expression et de réalisation de l’art) et d’organicité du système social, dont les arts sont une métaphore des interactions. Ses réalisations souvent spectaculaires s’inscrivent également dans une perspective d’interrogation sur les rapports humains dans le contexte urbain contemporain.

The Beautiful Dreamer bronze moulé et pierre naturelle 11,50x6 m (env.) 2019 intégration d’Arne Quinze au parc des expositions de la Porte de Versailles (avenue de la Porte de la Plaine, F-75015 Paris) Le Parc des Expositions de la Porte de Versailles a fait l’objet depuis dix ans d’un vaste programme de transformations, notamment en vue des Jeux Olympiques de 2024. Ce projet incluait toute une série de constructions nouvelles, dont la conception a été confiée à des opérateurs représentatifs de la création contemporaine, tels que le bureau d’architecture Valode & Pistre et les architectes Jean Nouvel, Christian de Portzamparc, Dominique Perrault et Jean-Michel Wilmotte. C’est dans ce contexte qu’est intervenu Arne Quinze. The Beautiful Dreamer s’inspire du monde végétal. Implantée entre les hôtels Mama Shelter et Novotel, à proximité du Pavillon 6 (Porte B), une structure monumentale à l’allure de fleur, de plus de 11 mètres de haut, surgit comme une pousse imprévue, dans un environnement déjà occupé par les dizaines de signaux et repères conventionnels des configurations urbaines contemporaines. Cette irruption est assumée par Arne Quinze, comme un bref rappel du caractère « incontrôlable » des processus de croissance végétale, dont la logique n’est pas celle de la rationalité de l’occupation spatiale anthropique : « Nous avons perdu le dialogue avec la nature, ce qui a créé des espaces publics gris et sans intérêt. Avec The Beautiful Dreamer, j’ai souhaité capturer la beauté de la nature et la ramener en ville pour nous rappeler sa diversité fascinante. » Jean Housen

Bibliographie sélective

Quinze, Arne, Klanten, Robert et Feireiss Lukas, Arne Quinze Works, Berlin, 2008.
Borka, Max, City Scape Arne Quinze, Berlin, 2008.
Mikaeloff, Hervé et Roland, Xavier, Arne Quinze, Bruxelles, 2022.

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Léopoldine Roux – Prix Ianchelevici 2026

Léopoldine Roux (Lyon, 1979) Vit et travaille à Bruxelles https://leopoldineroux.com/ Léopoldine Roux entame son parcours académique à l’Ecole supérieure des Beaux-Arts de Rennes et l’achève en 2003 par un master à l’ENSAV-La Cambre de Bruxelles. Son travail est prioritairement axé sur la couleur qu’elle expérimente sur des matériaux allant de la pierre bleue à la mousse polyuréthane et avec des média parfois hors des pratiques usuelles (laque en spray, vernis à ongles …). La qualité gestuelle constitue un autre fondement de ses recherches : elle est sensible dans la volonté de l’artiste de dégager une exploitation dynamique de sa palette. Dans le domaine de l’art public, on peut relever son intégration (United Colors, 2013) à un immeuble de la cité d’habitations sociales du Centenaire à Montignies-sur-Sambre ou encore Echappade (2020) pour le Centre hospitalier intercommunal de Créteil.

La géante de vies calcaire de Soignies, laque en spray, dorure à la feuille 4,3 m (ht), 13 t 2025 intégration de Léopoldine Roux à la Grand-Place de Brugelette (B-7940) en collaboration avec la plasticienne Pascaline Wollast et le bureau d’études C² La géante de vies a été installée en 2025 sur la Grand-Place de Brugelette dans la foulée d’une opération d’aménagement soutenue par la Région via l’appel à projet « Cœur de Village ». Relevons que, pour désigner l’artiste, les autorités communales ont profité de l’expertise de la Commission des Arts de Wallonie qui a organisé un concours restreint limité à cinq candidats. L’opération témoigne de la fécondité à inviter un créateur contemporain à intervenir en milieu rural, un contexte auquel Léopoldine Roux a d’emblée voulu ancrer ses recherches. On le comprend tant par le choix du matériau et des modalités d’exécution – de la pierre bleue du Hainaut mise en œuvre aux Carrières de Maffle – que par le processus d’élaboration et le développement formel. « J’ai commencé avec des promenades le long de la Dendre qui traverse les cinq villages de la commune de Brugelette, explique l’artiste. J’ai collecté toutes sortes d’éléments dont cinq pierres, une dans chaque village. Elles m’ont servi pour des esquisses. Cela aboutit à un empilement de quatre pierres ; la cinquième sert de banc pour que mon intervention soit aussi une invitation au repos et à la rencontre. J’ai par ailleurs réfléchi à l’emploi des couleurs. Ici, elles s’accordent à la palette dans l’ensemble de mes pièces. Mais le choix est, partiellement du moins, en rapport avec le lieu. Ainsi le vert rappelle-t-il les nuances de la Dendre que j’avais observées lors de mes pérégrinations. Avec le rose qui est absent de la signalétique dans l’espace public, je voulais apporter une note de sérénité. La tête de la géante est dorée à la feuille. C’est un apport de Pascaline Wollast qui a étroitement participé au projet. Comme d’usage dans l’iconographie chrétienne, l’or est afférent à l’au-delà, au sacré. Et puis, j’ai voulu qu’un bloc reste vierge pour laisser voir le matériau tel qu’il est. » Autre idée forte: La géante de vies établit un dialogue fécond avec son environnement humain. Elle évoque les cairns, ces amas de pierres en équilibre construits pour signaler un site, renseigner un chemin ou marquer son passage. « Ma sculpture n’est pas fixée au temps présent, relève Léopoldine Roux. Elle vient du passé et appartient au futur. À l’esquisse, l’ensemble était abstrait. Au cours de la mise en œuvre à la carrière, une silhouette s’est dégagée. Elle devait être non genrée mais, à chaque étape du projet, je demandais aux intervenants leurs impressions et le mot ‘élégance’ revenait. Il s’agit d’une géante, plutôt que d’un géant. Bien sûr, il y a une référence au folklore local puisqu’elle évoque les grands mannequins de la Ducasse d’El pompe. Mais, il y a surtout une portée universelle. Les pierres portent les traces de l’histoire de la Terre et des vivants. Les pierres sont les os du monde. Et puis, La géante de vies fait face au monument aux morts de la Grand-Place comme un message d’espoir. C’est un monument à la vie. » Suivant la même volonté d’ancrer leur projet au contexte, Léopoldine Roux et Pascaline Wollast ont été attentives à développer des activités participatives avec des publics variés. Pendant sept mois jusqu’en 2025, elles ont mené, en partenariat avec le Centre Culturel L’Envol, 12 ateliers à destination des écoles, de l’Institut Sainte-Gertrude en charge de personnes porteuses de handicap, de la maison de jeunes de la commune et d’un groupe d’adultes constitué sur candidatures spontanées. « Nous voulions que les citoyens soient sensibilisés à nos univers et aux enjeux de l’art d’aujourd’hui, explique Léopoldine Roux. À la fin de chaque atelier, nous demandions aux participants de réfléchir à un mot, à une phrase au sujet de ce qu’ils avaient vécu durant la séance. Nous avons retenu les mots fédérateurs, ceux qui nous semblaient porteurs d’émerveillement, de rassemblement. Philippe Lucas les a gravés dans la pierre avec une police très simple. » Pierre Henrion

Bibliographie sélective

Depasse, Carole et de Coninck, François, Léopoldine Roux, Bruxelles, 2024
From Brussels with Love, catalogue de l’exposition, Maison des Arts de Schaerbeek, Bruxelles, du 22 octobre au 11 décembre 2016
Caltagirone, Sandra, Echapées belles, in L’Art Même, n°71, 4^e trimestre 2016, p.42

Photo et (c) : Léopoldine Roux